viernes, 30 de septiembre de 2011

El síndrome 2001

EL ÁRBOL DE LA VIDA (2011)


Nos encontramos con una película que a más de uno ha dejado perplejo. Atrae, fascina o repele dependiendo de gustos o del estado de ánimo. Pero una cosa es sencilla, a nadie dejará indiferente. Un estilo visual que a ratos parece cine amateur en 8 mm o las antiguas películas de la Nouvelle Vague cámara en mano que de tanto moverse a más de uno le ha causado mareo.
El árbol de la vida es una reflexión sobre la vida y la muerte, retrato de una familia de arraigadas creencias cristianas y con un padre que se excede en su fe obsesiva que le lleva al despotismo. Encima al cabo de un buen rato de metraje aparecen secuencias sobre la creación de la vida en nuestro planeta con algunas planos de animación digital con lagartos antidiluvianos. Algo así como los hombres simiescos de 2001 de Kubrick.
Durante la proyección te puedes quedar fascinado por sus imágenes balbuceantes o repelido por tanta cámara mareante pero en muchos planos transmite una inquietud profunda sobre nuestro breve paso por este planeta triste y desquiciado.
Brad Pitt se esfuerza en romper su imagen hollywoodense y demostrar que también puede luchar por un proyecto tan arriesgado como éste, pero a costa de varias deserciones a lo largo de la proyección al que le faltaría una buena poda en la sala de montaje. Cinta excesiva en todos los sentidos  tiene un algo que incita a la curiosidad, que interesa y atrapa al mismo tiempo aunque a veces se tenga la sensación de estar perdiendo el tiempo. 
La metafísica ya no está de moda en nuestro planeta y es un discurso trasnochado, aunque aún no erradicado de nuestro subconsciente.


El árbol de la vida. Título original: The tree of life. Dirección y guion: Terrence Malick. País: USA. Año: 2011. Duración: 141 min. Género: Drama. Interpretación: Brad Pitt (Sr. O’Brien), Sean Penn (Jack), Jessica Chastain (Sra. O’Brien), Fiona Shaw (abuela), Irene Bedard (mensajera), Hunter McCracken (Jack joven), Laramie Eppler (R.L.), Tye Sheridan (Steve). Producción: Dede Gardner, Sarah Green, Grant Hill, Brad Pitt y William Pohlad. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Emmanuel Lubezki. Montaje: Mark Yoshikawa. Diseño de producción: Jack Fisk. Vestuario: Jacqueline West. Distribuidora: Tripictures. Estreno en USA: 27 Mayo 2011. Estreno en España: 16 Septiembre 2011. Apta para todos los públicos.

martes, 27 de septiembre de 2011

Crónicas de la América oculta

SALLY HEMING 
LA HISTORIA DE UN ESCÁNDALO 


 Por casualidad veo dos telefilmes en una noche que tratan de lo que podríamos llamar la América Oculta o mejor dicho la otra cara de los Estados Unidos de Norteamérica. Un país del que siempre hemos sufrido una impresionante propaganda mostrándolo como el más liberal del mundo, lo que dista mucho de la realidad.
En estas dos visiones nos encontramos a las brujas de Salem de la que ya me ocuparé más adelante y del caso de Sally Heming, la esclava del tercer presidente de los Estados Unidos  Thomas Jefferson, uno de los padres de la patria que redactó el Acta de Independencia de los Estados Unidos (4 de julio de 1776) en la que se decía:
Sostenemos como evidentes estas verdades: que todos los hombres son creados iguales; que son dotados por su Creador de ciertos derechos inalienables; que entre éstos están la vida, la libertad y la búsqueda de la felicidad; que para garantizar estos derechos se instituyen entre los hombres los gobiernos, que derivan sus poderes legítimos del consentimiento de los gobernados; que cuando quiera que una forma de gobierno se haga destructora de estos principios, el pueblo tiene el derecho a reformarla o abolirla e instituir un nuevo gobierno que se funde en dichos principios, y a organizar sus poderes en la forma que a su juicio ofrecerá las mayores probabilidades de alcanzar su seguridad y felicidad.

Este presidente, que fue anteriormente embajador de Francia durante la Revolución francesa, de la que evidentemente no aprendieron nada, tuvo una esclava "negra", en realidad cuarterona. La mezcla de razas produce hijos mulatos si la mezcla es del 50%, los hijos de un mulato con un blanco producen los "cuarterones" y los hijos de éstos con otro blanco un "octavón".
Sally Heming, una cuarterona, se convirtió en la amante del político "padre de la patria" y tuvieron siete hijos "octavones" de piel tan clara que podrían pasar por blancos. El telefilme de dos episodios no es desagradable, visualmente es correcto pero pobre. Su puesta en escena es blanda. 
Se centra más en el escándalo que supuso esa relación sexual fuera del matrimonio (Jefferson era viudo) que los adversarios políticos utilizaron para desprestigiarle poniendo en evidencia la hipocresía de la nueva nación que si bien promulga la libertad, la igualdad y la justicia estaba fundada sobre la esclavitud, el puritanismo, el clasismo más feroz, la mentira.
Aqui es donde el telefilme funciona pese a su blandura estilística.
La historia de los Estados Unidos es cruel, inhumana, falsa. Bajo su aparente resplandor esconde la más depravada de las miserias como la España de los Austrias y la Inglaterra imperial. Las escenas que retratan la esclavitud tienen poca fuerza, parece que sus autores han evitado la crudeza en busca de la comercialidad.
Lo que retrata es triste, lamentable e indignante. Si hubiese tenido más valentía hubiera sido una miniserie mejor pero es pedir demasiado para un espectáculo que sólo se interesa por hacer caja y sacar el mayor posible de dólares en sus cuentas corrientes. No es mala serie, pero podría haber sido mucho mejor.



Título original: Sally Hemings: An american scandal . Director: Charles Haid. Productor: Marty Eli Schwartz, Gerrit van der Meer. Género: Drama. Año: 2000. Origen: EE.UU. Duración: 180 minutos. Intérpretes: Sam Neill, Carmen Ejogo, Mare Winningham.

sábado, 24 de septiembre de 2011

Análisis comparativos de dos filmes

PIGMALION (1938) 
MY FAIR LADY (1964) 

George Bernard Shaw
George Bernard Shaw (Dublín, 26 de julio de 1856 – Ayot St. Lawrence, Hertfordshire, 2 de noviembre de 1950) fue un escritor irlandés, ganador del Premio Nobel de literatura en 1925 y del Óscar en 1938. A finales de los sesenta, Narciso Ibález Serrador rodó un episodio de la serie Los premios Nobel, dedicándole un episodio al autor inglés, siendo su ilustre padre Narciso Ibáñez Menta quien encarnó la figura que nos ocupa.
En 1916 Shaw estrenó Pigmalión, basado en un antiguo relato de Ovidio con el mismo título, inspirados a su vez en un mito griego. Pigmalión, rey de Chipre, construye una estatua tan bella de la que se enamora, Galatea, y los dioses le dan la vida para que pudieran contraer matrimonio.
La obra de Shaw trata de un profesor de fonética, Henry Higgins, que para ganar una apuesta enseña dicción a una florista paleta que encuentra en Convent Garden, Londres. Shaw tenía la teoría de que los ingleses no sabían hablar correctamente su idioma, que destrozaban de forma brutal. Por eso, Higgins apuesta que en seis meses enseñaría a la florista Eliza Doolitle a hablar correctamente y hacerla pasar por una gran dama en sociedad. Finalmente gana la apuesta pero el trato que le sometió era insoportable, por lo que Eliza acaba por marcharse y casarse con Alfred, un galancete que le ronda desde hace meses.
Shaw ironiza con sabiduría de la condición de la mujer y del clasismo británico. Tanto Henry Higgins, como Eliza Doolitle y Alfred Doolitle, su padre, son personajes clásicos del teatro inglés muy codiciados por todos los actores y actrices en activo. En España el papel de Higgins fue interpretado con brillantez por José María Rodero y en adaptaciones posteriores por Alberto Closas.
Es curioso, pero a mí me gusta más el padre del padre de la chica, un hombre extremadamente pobre pero con una peculiar filosofía de la vida. 

Leslie Howard y Wendy Hiller

 En 1938 Pigmalión fue llevada al cine bajo dirección de Leslie Howard y Anthony Asquith,  el primero encarnó a Higgins y Wendy Hiller a Eliza. Wilfrid Lawson es el padre de la chica, el peculiar basurero Alfred. Aunque basada en la obra se añadieron escenas nuevas escritas por Shaw que al colaborar con el guión pudo recibir el Oscar al mejor guionista por parte de la Academia de Hollywood. Se añadió el baile en la embajada de Transilvania y se cambió el final, Eliza se queda con el profesor Higgins ya que al vivir juntos durante seis meses descubren al separarse que no pueden vivir separados.
Muchos críticos consideran que este nuevo final es una traición a la obra, pero lo acerca más al texto de Ovidio. Esta obra tiene para mí dos momentos sensacionales que son lo mejor de su contenido. La primera de estas escenas es cuando Alfred Doolitle se presenta en el domicilio de Higgins a exigirle dinero por quedarse con su hija. Ya que él la engendró, aunque vivan separados porque se desentendió de ella, tiene derecho a participar del "negocio" que la chica hace al irse a vivir a casa de un caballero bien situado. El basurero expone unas teorías curiosas sobre la vida que dejan a Higgins completamente perplejo.
La segunda escena es cuando Eliza se escapa del domicilio de Higgins tras ganar la apuesta. Quiere volver a Covent Garden con sus antiguos compañeros y éstos no la reconocen. En aquel momento Eliza ya no sabe cual es su sitio en este mundo y experimenta una sensación de total desconcierto.
Aunque es una producción británica modesta realizada con cierta premura y sencillez, la película tiene sus muchos puntos atractivos. 

Wendy Hiller y Leslie Howard
La sobriedad de la puesta en escena es muy de agradecer. Howard es un Higgins algo atolondrado que contradice la imagen flemática del personaje que hemos visto en otras interpretaciones.
Tras fallecer Shaw en 1950, el productor Gabriel Pascal que había adquirido los derechos para cine de varias obras del escritor inglés, entre ellos Pigmalión, encargó al escritor Alan Jay Lerner  una versión musical del texto, encargándole la música a su socio Frederick Loewe.
La tarea fue ardua, con numerosas dificultades. finalmente falleció el productor y el banco Chase Manhattan se quedó como gestor de la obra y de todas las posesiones de Pascal. No estaban interesados en el proyecto, pero tiempo después cambiaron de opinión y le dieron luz verde.
Como Higgins se pensó en Noel Coward, polifacético hombre de teatro, pero este acabó por renunciar y recomendó a Rex Harrison. Para Eliza fue llamada una actriz y cantante nueva prácticamente desconocida, Julie Andrews, y el veterano Stanley Holloway fue su padre Alfred.

Rex Harrison y Julie Andrews
My Fair Lady tuvo 2717 representaciones en el Teatro Mark Hellinger de Nueva York tras una gira pre-Broadway, cifra considerada un éxito sin precedentes. Corría el año 1956 en que se realizó semejante hazaña. En 1958 la compañía se trasladó a Londres en el Theatre Royal de Drury Lane con 2281 representaciones más pulverizando las taquillas y convirtiendo la obra en un clásico incontestable.
El éxito motivó que la Warner, sobretodo su ejecutivo Jack Warnes mostrara interés por llevarla al cine pero cometió el error más grande de toda su carrera, sustituir a la actriz protagonista Julie Andrews por considerarla desconocida en el mundo del cine por no haber rodado nunca una película. 

Audrey Hepburn y Julie Andrews
Se llamó a la gran Audrey Hepburn para el papel cinematográfico de Eliza, ante las protestas de todo el mundo incluyendo a la propia Audrey que creyó injusta la decisión de Jack Warner. Finalmente terminó por acceder para evitar que el jugoso papel cayera en manos peores, como Elizabeth Taylor. Rex Harrison y Stanley Holloway repitieron de nuevo sus dos papeles que les habían encumbrado.
A pesar de la gran valía de la lujosa versión dirigida por George Cukor, My Fair Lady (1964), considerado uno de los mejores musicales de todos los tiempos, dejó mal sabor de boca a mucha gente que en ella participó. A la actriz principal, Audrey Hepburn tras grabar con su propias cuerdas vocales las canciones fue doblada por Marnie Nixon (la voz de Natalie Wood en West Side Story), otra decisión injusta del señor Warner, que provocó gran malestar en la actriz y con razón. Por ese motivo no fue nominada al Oscar por su Eliza cinematográfica porque el reglamento de la Academia prohibe que un actor doblado sea nominado.
El rodaje tuvo lugar en los estudios Warner y no en Londres. A pesar de que los decorados tienen gran calidad tiene detalle discutibles como por ejemplo la mansión extremadamente lujosa del profesor Higgins con un enjambre de criados cuando se supone que su condición económica es modesta y encima no se le ve trabajar en ningún momento salvo con Eliza. 
La película obtuvo varios Oscars pero el de actriz principal lo recibió la despreciada Julie Andrews, que hubiera sido perfecta para el papel cinematográfico de Eliza, por su papel en Mary Poppins. Jack Warner tuvo que soportar burlas y bromas el resto de sus días por su errónea decisión.

Audrey Hepburn y Rex Harrison
Con todo hay que reconocer la gran creación de Audrey en el papel de Eliza. Sobretodo los primeros momentos en Covent Garden cuando habla como una paleta de acento cockney, muy difícil de imitar. En la versión de 1938 antes aludida, apenas era perceptible el acento pese a que se había rodado en estudios londinenses más acostumbrado a oír tan castizo acento.
Rex Harrison está genial como Higgins y sobretodo destaca Stanley Holloway en el papel de padre de Eliza. Ese basurero gorrón, borrachín y pendón de vida libertina es un personaje fuera de lo común y su secuencia con Higgins para pedirle dinero es lo mejor de la película. 
En fin, nos encontramos ante un clásico incontestable. Una película redonda que tal vez hubiera sido mejor con Julie Andrews y sin la pomposidad hollywoodense. Una auténtica obra de arte que uno ve una y otra vez sin cansarse, terminando por aprenderse los diálogos de memoria. Es como si fuera una de las películas de mi vida pero es con toda justicia una de las mejores que he visto en mi vida cinéfila.

Un remake desdibujado

DIABÓLICAS (1996) 


 Les diaboliques (1954), de Henri George Clouzot, con Simone Signoret y Vera Clouzot, es uno de los clásicos incontestables del cine negro francés que obtuvo un éxito mundial. Naturalmente Hollywood cuando pudo hacerse con los derechos rodó su versión, creyendo superar en calidad y éxito al título original, pero los resultados están muy lejos de sus pretensiones. 
Diabólicas (1996) no es una mala película ni mucho menos, pero no tiene la calidad del clásico francés. Sharon Stone e Isabelle Adjani son dos mujeres en teoría enemistadas, la amante y la esposa de un tirano, de un machista empedernido. Ambas realizan un pacto contra natura para deshacerse del hombre que comparten cama. En el filme original se hablaba de una relación lésbica de ambas mujeres, pero en realidad no es más que una insinuación. En el título que nos ocupa poco queda de esta visión. Los ultrapuritanos Estados Unidos sienten grima de mostrar el amor entre dos personas del mismo sexo por lo que no se puede profundizar en dicha relación.

Sharon Stone e Isabelle Adjani

Al frente del reparto nos encontramos a dos actrices importantes. Sharon Stone, afamada por su Instinto básico y su cruce de piernas, unida a la francesa  Isabelle Adjani que estaba en la cúspide de la fama y que después se volvió una actriz reservada de escasas apariciones en pantalla. 
A la película le falta fuerza, la dirección es plana y superficial, le falta misterio e intriga. Todo acaba por volverse excesivamente previsible. Al parecer a sus autores sólo les interesaba la taquilla, aprovechándose de un éxito ajeno para atraer al público sin esforzarse en crear otro. 
Las dos actrices llenan la película, cumplen con su cometido. Hacen lo que pueden y sobreviven al desastre. La presente producción no es más que un producto mercenario que sólo busca el dinero fácil para sobrevivir y alegrar sus respectivas cuentas corrientes. Nada más.

Isabelle Adjani y Sharon Stone

 Diabólicas (1996) (Diabolique)
Ficha técnica Duración:  1:43:05 Director: Jeremiah Chechik Producción: James G. Robinson y Marvin Worth
Reparto: Sharon Stone (Nicole Horner), Isabelle Adjani (Mia Baran), Chazz Palminteri (Guy Baran), Kathy Bates (detective Shirley Vogel), Spalding Gray (Simon Veatch), Shirley Knight (Edie Danziger), Allen Garfield, Adam Hann-Byrd, Donal Logue, Diana Bellamy, J.J. Abrams, O’Neal Compton.
Música: Randy Edelman
Guión: Don Roos, según el guión de Henri-Georges Clouzot y la novela de Pierre Boileau y Thomas Narcejac.
Fotografía: Peter James
Montaje: Carol Littleton
Nacionalidad: USA

"Les diaboliques" (1954), de Henri George Clouzot, con Simone Signoret y Vera Clouzot

Kukutza derribada

LA BATALLA DE KUKUTZA

 Video grabado para defender Kukutza

Kukutza, el centro cultural ocupado que desde hace 13 años, había dinamizado la actividad cultural de Errekalde, un barrio obrero de Bilbao, ya es historia. El Juzgado de lo Contencioso-administrativo número 5 ordenó el derribo del edificio ayer por la mañana y por la tarde una excavadora lo echó abajo en medio de un gran dispositivo de la Ertzaintza y graves disturbios.
Durante varias horas, las calles de este barrio bilbaino se convirtieron en escenario de una auténtica batalla campal entre los defensores del centro cultural y los efectivos antidisturbios de la Policía vasca. El barrio quedó prácticamente sitiado hasta la noche por el amplio despliegue policial que trataba de atajar las escaramuzas de los manifestantes por las calles adyacentes al centro cultural. Comercios y tiendas tuvieron que bajar la persiana. 
La iglesia se convirtió en un lugar de retirada provisional para los heridos, mientras que algunos bares hacían de refugio para quienes huían de la Ertzaintza. Los pelotazos de los antidisturbios se cruzaban en el aire con las piedras, los cohetes y los cócteles molotov que arrojaban los protestantes. 
Bomberos y ertzainas tuvieron que afanarse para apagar las barricadas formadas con contenedores en llamas. Con los detenidos de esta noche, el número de arrestados a lo largo de los incidentes originados por el desalojo del "gaztetxe" Kukutza el pasado jueves se elevan a 31, según han confirmado fuentes del departamento de Interior. 
Nunca antes Bilbao había vivido unas protesta tan virulenta por el cierre de un centro cultural. Pasadas las nueve de la noche, tras cuatro horas de altercados, cientos de personas se dirigieron hacia el Ayuntamiento para protestar contra el derribo, mientras que los disturbios se expandían hacia otras zonas del centro. Y, como en otras movilizaciones, las redes sociales se hacían eco de la batalla en Bilbao.

martes, 20 de septiembre de 2011

El origen espartano de los cántabros

OKELA, 
ESPARTANOS EN CANTABRIA


El escritor santanderino Pedro Santamaría ha publicado, a través de la editorial Ediciones Pàmies, la novela histórica Okela. Espartanos en Cantabria, en la que, tras investigar un cita de Estrabón, ha escrito una "gran aventura de viajes".
"Parte de Cantabria fue sojuzgada por los espartanos. Aquí también está Okellas, ciudad que se dice fue fundada por Okela". En base a esta cita, Santamaría ha reconstruido la epopeya de aquellos colonos helenos que llegaron a Cantabria.
Esta aventura de la Antigüedad destaca, según la editorial, por "su calidad literaria y su original premisa argumental". La novela consta de 432 páginas y se ha lanzado al mercado con un precio de 19,95 euros. Aquí se puede encontrar. 

Una vez que han conquistado toda Asia, los persas amenazan ahora a la Hélade con un ejército como nunca antes se había visto. Okela, uno de los generales espartanos, es enviado para comprobar si los informes que llegan a Grecia son ciertos, y se encuentra con que el ejército del rey Jerjes es invencible.

Ante esta situación, los diferentes gobernantes griegos se reúnen para buscar una alianza que les permita impedir la invasión, pero el Oráculo de Delfos envía un mensaje claro a los espartanos: deben buscar las fuentes del «Nilo de Occidente» para fundar allí una nueva Esparta. Okela será de nuevo el elegido para realizar dicha misión. Junto con trescientos hombres más, deberá abandonar Grecia y dirigirse al Oeste en un viaje hacia lo desconocido.

Los aventureros se verán así envueltos en la lucha entre Siracusa y Cartago, sufrirán los envites de un mar tormentoso y arribarán a las costas de Iberia, donde encontrarán tribus bárbaras que se opondrán a su búsqueda, mientras intentan seguir el cauce del Ebros y crear una nueva nación en el corazón de aquel territorio inhóspito.

Pedro Santamaría se descubre como un gran narrador, tejiendo una novela trepidante que se sumerge en la Historia para dar una explicación sorprendente sobre el origen de los cántabros.
Texto facilitado por la Editorial


Recomendamos también:

La apasionante historia del guerrero cántabro que defendió su tierra de los romanos hasta las últimas consecuencias. Ésta es la historia de Corocotta, un guerrero cántabro que se vio favorecido desde niño por 'la enfermedad de los dioses', la epilepsia, y que luchó junto a Julio César; de la lejana África a Gades, de Roma a Britannia. Él lideró la última defensa de Cantabria frente al asedio de Augusto.
Los pueblos cántabros volvieron a rebelarese encabezados por las guardianas del tabú, mujeres guerreras, que provocaron un levantamiento de esclavos en toda Hispania y en otras partes del Imperio romano.



domingo, 18 de septiembre de 2011

Star Wars en Blu-Ray

EL BLU-RAY GALÁCTICO
Anthony Daniels
El comerciante George Lucas acaba de publicar dos packs sobre la famosa saga Star Wars de la que ha estado viviendo hace más de tres décadas.
La saga cinematográfica de Star Wars comenzó con la película A New HopeUna nueva esperanza»), estrenada en cines el 25 de mayo de 1977 como La Guerra de las Galaxias. A ella le siguieron dos continuaciones: The Empire Strikes BackEl Imperio contraataca»), estrenada el 21 de mayo de 1980, y Return of the JediEl retorno del Jedi» o «El regreso del Jedi»), estrenada el 25 de mayo de 1983.
Más de dos décadas después del estreno de la cinta original, el universo de Star Wars continuó con una trilogía de precuelas conformada por The Phantom MenaceLa amenaza fantasma»), estrenada el 19 de mayo de 1999, Attack of the ClonesEl ataque de los clones»), estrenada el 16 de mayo de 2002, y finalmente Revenge of the SithLa venganza de los Sith»), estrenada el 19 de mayo de 2005.

Ambas trilogías han sido editadas en DVD y Blu-Ray en un pack que está teniendo mucho éxito pese a la crisis económica que al señor Lucas poco le debe importar. Nueve discos, seis con las películas ya mencionadas y tres más de autobombo que poco añaden a lo que sabemos.
Estas películas están más dirigidas al público frikkie que al cinéfilo. Para los amantes de la ciencia ficción tenemos series de más enjundia como El planeta de los simios o Star Trek, pero no me voy a poner aquí a comparar. 
Una serie muy bien elaboradas industrialmente pero con argumentos y guiones extremadamente infantiles e ingenuos. Lucas demuestra una vez más su talento para el negocio que para el arte, pero no vamos a ser duro. Cada película tiene su público o lo debería tener porque en caso contrario serían películas muertas.
Más que obras maestras o artísticas son entretenimientos muy bien conseguidos que dan lo que prometen. Pasar el rato una y otra vez con las aventuras de los Jedi y los simpáticos robots C3PO y R2D2 que junto con el Yoda y Chewbacca son lo mejor de la serie. 
Esos mundos extraños, misteriosos, repletos de seres carnavalescos tienen su encanto, su gracia. Esa magia a veces nos hacen olvidar la poca consistencia de los guiones. Por ejemplo en El Imperio contraataca Luke viaja a otra galaxia para conocer a Yoda y en la película parece que el viaje dura segundos cuando debería durar algunos años como mínimo.  Con cuatro ejercicios patosos ya ha recibido toda la instrucción para convertirse en caballero Jedi.
La serie tiene muchos fans y tampoco me extraña, imagino que se lo pasarán en grande con esas seis películas y otras similares, siempre y cuando no seas un espectador exigente ni un erudito cinéfilo que preferirán otras visiones de la ciencia ficción. Star Wars no engaña, cumple lo que promete y si lo que te dan te gusta ningún inconveniente.
Una serie que habrá llenado de ilusión a muchas vidas de todo el planeta. Sus personajes son ya archifamosos y la serie se ha convertido en un seguro negocio para los mandamases de Hollywood con Lucas al frente. Para los artistas no tanto, como es sabido al pobre Darth Vader (Dave Prowse) le deben mucho dinero pero ya se sabe que en este mundo a quienes van por la vida pisoteando al prójimo se le pone en un pedestal. El lado oscuro de la avaricia es muy poderoso y al parecer provoca muchas simpatías.

viernes, 16 de septiembre de 2011

Caspa Made in Hollywood

DAVID PROWSE 
LLEVA 35 AÑOS SIN COBRAR
David Prowse

Ser el malo más célebre de la historia del cine no te garantiza cobrar lo estipulado en tu contrato. David Prowse, el hombre que puso cuerpo -la voz era de James Earl Jones- a Darth Vader en la trilogía original de La Guerra de las Galaxias.
Hace ya un par de años que saltó a la luz la reclamación de Prowse, que exige a LucasFilm -la productora de George Lucas y propietaria de los derechos de Star Wars- el porcentaje pactado de la recaudación en taquilla de El Retorno del Jedi, la tercera entrega de la saga.El actor lleva ya casi 35 años esperando a cobrar los beneficios que por contrato le corresponden. La excusa que mantiene George Lucas para no pagar a Vader es que El retorno del Jedi fue un mal negocio. De hecho, no solo no dejó beneficios sino que generó pérdidas.Un argumento que, con las cifras en la mano, no se sostiene. La película tenía un presupuesto de 32 millones de euros y recaudó en taquilla unos 475 millones de dólares en 1983. Los beneficios por tanto parecen evidentes, pero en la contabilidad oficial de la cinta las artimañas de los productores hicieron que el saldo del film sea finalmente negativo.
Así lo señala una información publicada por diario Atlantic, que destapa el rebuscado entramado de empresas y sociedades paralelas con el que las productoras de Hollywood enmascaran los beneficios para evitar pagar a los actores sus porcentajes de la recaudación en taquilla.De hecho, el reportaje presenta un documento de Warner Bros. en el que tras enrevesadas cuentas el saldo de Harry Potter y la Orden del Fénix arroja unas pérdidas de más de 167 millones de dólares.
Otro ejemplo más de esta contabilidad "creativa" que deja sin cobrar al mismísimo Darth Vader. Y es que en Hollywood el poder del dólar es mucho más intenso que el de La Fuerza.

miércoles, 14 de septiembre de 2011

Ya disponible en Blu Ray y DVD

STAR WARS: 
LA SAGA COMPLETA



Características del Blu-ray:

    Contenido: 9 Discos. 6 Películas.
    Presentación: Caja para coleccionistas.
    Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición).
    Audio:
        DTS-ES 6.1 Inglés.
        DTS 5.1 Castellano.
        DTS-HD Master Audio 5.1 Alemán.
        Dolby Digital 5.1 Catalán, Húngaro, Polaco
    Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Portugués, Griego, Mandarín, Árabe, Húngaro, Islandés, Hebreo, Polaco.
    PVP Recomendado: 89,95 €.

Contenido Extra:

Disco 1 – Star Wars: Episodio I La Amenaza Fantasma

    Comentarios de George Lucas, Rick McCallum, Ben Burtt, Rob Coleman,  John Knoll, Dennis Muren y Scott Squires.
    Comentarios extraídos de las entrevistas de archivo con actores y equipo de rodaje.


Disco 2 - Star Wars: Episodio II El Ataque de los Clones

    Comentarios de George Lucas, Rick McCallum, Ben Burtt, Rob Coleman, Pablo Helman, John Knoll Y Ben Snow.
    Comentarios extraídos de las entrevistas de archivo con actores y equipo de rodaje.


Disco 3 – Star Wars Episodio III La Venganza de los Sith

    Comentarios de George Lucas, Rick McCallum, Rob Coleman, John Knoll y Roger Guyett.
    Comentarios extraídos de las entrevistas de archivo con actores y equipo de rodaje.


Disco 4 - Star Wars Episodio IV Una Nueva Esperanza

    Comentarios de George Lucas, Carrie Fisher, Ben Burtt y Dennis Muren.
    Comentarios extraídos de las entrevistas de archivo con actores y equipo de rodaje.


Disco 5 - Star Wars: Episodio V El Imperio Contraataca
    Comentarios de George Lucas, Irvin Kershner, Carrie Fisher, Ben Burtt y Dennis Muren.
    Comentarios extraídos de las entrevistas de archivo con actores y equipo de rodaje.


Disco 6 – Star Wars Episodio VI El Retorno del Jedi

    Comentarios de George Lucas, Carrie Fisher, Ben Burtt y Dennis Muren.
    Comentarios extraídos de las entrevistas de archivo con actores y equipo de rodaje.


Disco 7 - Archivos de Star Wars: Episodios I-III

    !Nuevo! Incluye: escenas eliminadas, extendidas y alternativas; accesorios, maquetas y vestuarios; pinturas e ilustraciones; entrevistas suplementarias con el reparto y el equipo de filmación; un viaje a través de los Archivos de Lucasfilm y mucho más.

Disco 8 - Archivos de Star Wars: Episodios IV-VI

    !Nuevo! Incluye: escenas eliminadas, extendidas y alternativas; accesorios, maquetas y vestuarios; pinturas e ilustraciones; entrevistas suplementarias con el reparto y el equipo de filmación; y mucho más.

Disco 9 - Documentales Star Wars

    ¡Nuevo! Guerreros Estelares (2007, Color, Aprox. 84 Minutos) – Algunos fans de Star Wars quieren coleccionar las figuras de acción... estos fans ¡quieren ser figuras de acción! Un tributo a la Legión 501, organización global de fans entusiastas de los disfraces, este intuitivo documental muestra cómo este súper club de fans promueve el interés en las películas a través de su trabajo como voluntarios y ayuda caritativa en fundaciones y eventos especiales alrededor del mundo.
    !Nuevo! Una Conversación con los Maestros: El Imperio Contraataca 30 Años más tarde (2010, Color, Aprox. 25 Minutos) – George Lucas, Irvin Kershner, Lawrence Kasdan y John Williams echan una mirada a la realización de El Imperio Contraataca en esta profunda retrospectiva de Lucasfilm creada para conmemorar el aniversario de 30 años de la película. Los maestros comentan y recuerdan una de las películas más queridas de todos los tiempos.
    !Nuevo! Parodias de Star Wars (2011, Color, Aprox. 91 Minutos) – ¡El sinsentido es total en este material! Disfruta de una divertida colección de bromas de Star Wars y parodias creadas a través de los años, incluyendo los controvertidos cortos de Padre de Familia, Los Simpson, Cómo Conocí a tu Madre y otros – y no te pierdas el único video musical de “Weird Al” Yankovic, ¡un tributo a La Amenaza Fantasma!.
    Detrás de Cámaras de Star Wars (1977, Color, Aprox. 49 Minutos) – Conoce la increíble historia del detrás de cámaras de cómo la película original de Star Wars fue llevada a la pantalla grande en este fascinante documental presentado por C-3PO y R2-D2. Incluye entrevistas con George Lucas y apariciones de Mark Hamill, Harrison Ford y Carrie Fisher.
    El Imperio Contraataca: Efectos Especiales (1980, Color, Aprox. 48 Minutos) – Conoce los secretos de hacer películas en un galaxia muy, muy lejana. Presentado por Mark Hamill, este revelado documental ofrece un vistazo al detrás de las escenas de los sorprendentes efectos especiales que ¡transformaron la visión de George Lucas en Star Wars y El Imperio Contraataca en una realidad!
    Criaturas Clásicas: El Retorno del Jedi (1983, Color, Aprox. 48 Minutos) – Vayamos detrás de las escenas – y dentro del vestuario – recorriendo secuencias de la producción de El Regreso del Jedi intercaladas con cortos clásicos de monstruos en esta profunda exploración de las meticulosas técnicas utilizada por George Lucas para crear las criaturas clásicas y los personajes de la película. Presentado y narrado por Carrie Fisher y Billie Dee Williams.
    Anatomía de un Dewback (1997, Color, Aprox. 26 Minutos) – Observa cómo algunos de los efectos especiales en Star Wars se hicieron aún más especiales ¡dos décadas después! George Lucas explica y demuestra cómo su equipo transformó las criaturas dewback originales de muñecos de goma inmóviles (en el lanzamiento original de 1977) en criaturas de apariencia viva para la Edición Especial actualizada de Star Wars en 1997.
    La Tecnología de Star Wars (2007, Color, Aprox. 46 Minutos) –Explora los aspectos técnicos de los vehículos, armas y accesorios de Star Wars, los técnicos de Star Wars consultaron a líderes científicos en los campos de la física, las prótesis, el láser, ingeniería y astronomía para examinar la credibilidad de la tecnología de Star Wars que fue basada en la ciencia que conocemos hoy en día.

Más sobre el Blu-ray de Star Wars - La Saga Completa

    Título original: Star Wars - Episode I, The Phantom Menace, Star Wars. Episode II. Attack of the Clones, Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith, Star Wars: Episode IV. A New Hope: Limited Edition, Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back, Star Wars: Episode VI: -  Return of the Jedi
    Año: 1977
    Directores: George Lucas, Irvin Kershner, Richard Marquand
    Actores: Mark Hamill, Carrie Fisher, Peter Cushing, Anthony Daniels, Harrison Ford, Billy Dee Williams, Peter Mayhew, David Prowse, Alec Guinness, Sebastian Shaw

Mirada al cineasta chino Zhang Yimou

 ZHANG YIMOU 1999

Zhang Yimou es en la actualidad uno de los más grandes prestigios del cine asiático que muy rara vez llega a nuestras carteleras. Un cine que debemos visionar en cines en versión original, cine clubs o DVDs en mi caso por carecer de acceso a estas películas en pantalla grande. Desde que ví Sorgo Rojo en Madrid mientras rodaba La Grieta me quedé hipnotizado con sus bellas imágenes, Gong Li pasó a convertirse en una de mis musas predilectas y Yimou en uno de mis autores predilectos.
El tandem Yimou-Li repitió en varias películas más tras romperse en 1995 con La Joya de Shanghai, película que en su día fue poco valorada pero que para mí es uno de sus más brillantes títulos.  Entonces perdí la pista a Yimou pero no a la actriz que apareció en otras obras maestras como Adiós a mi concubina de otro gran autor, Chen Kaige y producciones internacionales.
Tiempo después, al aparecer el DVD pude adquirir una trilogía espectacular como Hero, La casa de las dagas voladoras y La maldición de la flor dorada. Son películas de sable de diferente estilo que adquirieron éxito comercial en todas partes aunque, como siempre, en mi ciudad nos quedamos a dos velas porque sólo interesan las producciones de las multinacionales. De esa trilogía mi preferida es la tercera, en la que reaparece su musa Gong Li en el papel de emperatriz. Un cine distinto que para mí es inferior al gran Yimou de sus primeros años.
Entre ambas tendencias están una serie de películas que rodó sin su actriz fetiche, menos conocidas pero que suponen una investigación de nuevos terrenos narrativos.

 
Ni uno menos
Mantén la calma (1997)  es una incursión en el mundo de la comedia, pero estamos muy lejos del cineasta que fue en sus anteriores títulos. Nos decepcionó a todos porque carecía de gracia, era larga y tediosa. Nos hizo temer que el cineasta chino había perdido el norte, pero dos años después nos ofreció dos joyas de las que vamos a tratar a continuación.
Ni uno menos, cuenta con actores no profesionales que por cierto sus personajes llevan el mismo nombre que sus intérpretes.  Las obras anteriores del gran Yimou habían padecido graves problemas con la censura china maoísta e incluso prohibiciones de sus guiones, porque estaban alejadas de la doctrina oficial. En esta ocasión nos encontramos con una mirada sorprendente al mundo rural, abandonado y miserable con un estilo que tiene reminiscencias del neorealismo italiano y la Nouvelle Vague francesa. Yimou utiliza la cámara en mano, que en el título anterior resultaba agobiante, pero que aqui le da más fuerza a la epopeya de una niña de 13 años que a pesar de su escasa cultura debe hacerse con una escuela rural al tener que sustituir al maestro por baja forzada. 
A pesar de las reticencias su labor es todo un éxito y meritoria. Un alumno debe marcharse a la ciudad por carecer de medios para pagar la escuela y ganar dinero para su madre. La maestra le buscará en una epopeya admirable. 
El tema de la mujer fuerte vuelve aparecer una vez más en la filmografía de Yimou, su estilo visual vuelve a fascinar. No estamos ante una tragedia, como en sus primeros títulos con Gong Li, pero sí ante un relato repleto de vigor y sensibilidad. 
Asimismo es una denuncia al postmaoísmo, un modelo terrible de economía neocapitalista que ha convertido a la República Popular de China en un país emergente capaz de rivalizar con los ultracapitalistas Estados Unidos y Japón pero que bajo la fachada opulenta muestra la cruda faz de marginación y pobreza.

El camino a casa
En el mismo año rodó este título, algo similar al anterior, porque también está centrado en un mundo rural, abandonado, olvidado. Camino a casa es ante todo una historia de amor entre una campesina analfabeta y un joven maestro de la ciudad que al carecer de salida profesional termina ejerciendo en una solitaria aldea.
Conocemos sus particulares costumbres, sus tradiciones, sus supersticiones. El camino a casa a pesar de contar unos escenarios que sobre el papel son poco atractivos consigue fascinar por la belleza de su fotografía y por la mirada de la nueva musa del cine chino, Zhang Ziyi, cuya dulce mirada protagonizó Tigre y Dragón, Memorias de una Geisha y Hero entre otras.
Yimou, director de la Quinta Generación de cineastas chinos, que comenzó su carrera tras la Revolución Cultural maoísta, vuelve a brillar en estos dos títulos aquí tratados. Me quedo con Vivir (1994), para mí su mejor película, pero este díptico rural me resulta superior a las grandes producciones que le sucedieron. Esos relatos de emperadores no gozan de gran simpatía pese a que el estilo visual de Yimou siempre brilla a gran altura.




lunes, 12 de septiembre de 2011

Retrato de una página negra de la historia

HITLER: EL REINADO DEL MAL (2003) 
 

Robert Carlyle  rodó este telefilme para TV que actualmente se programa en Canal 8 tras las temibles tertulias de Josep Cuni. Hitler: el reinado del mal no es una buena película o una buena serie, falta profundidad a la realización, pero sí es una obra digna cuya emisión es muy oportuna. 
Para mí lo mejor, sin duda, es la labor interpretativa del actor principal, famoso por su Full Monty,  en la que muestra la locura de un personaje que llevó a su país al desastre más absoluto. 
Directa o indirectamente, el nazismo tuvo muchos culpables. La Paz de Versalles que asfixió y humilló al pueblo alemán que en los años 20 llegó a tener diez millones de parados como uno de esos países que tanto desprecia la actual dirigente alemana Angela Merkel (que una mujer dirija la nación alemana, Hitler se rasgaría las vestiduras), y se ha convertido en estos seres a los que se acusa de todo como ocurre en los años 20 y 30 alemanes en que los judíos eran culpados de cualquier desastre.
La paranoia de Hitler no apareció por generación espontánea. Fue fruto de unas circunstancias en las que el pueblo alemán estaba realmente indignado por su situación desastrosa que les había llevado a la desesperación y se sabe que situaciones extremas provocan reacciones extremas.
Los discursos del fürher recuerdan dolorosamente a otros discursos malvados actuales y no sólo de partidos tildados de extremistas, sino incluso de esas fuerzas mal llamadas democráticas que han llegado a gobernar comunidades autonómicas en nuestros lares. 
La demagogia desaforada ha sido lesiva para la humanidad. Monstruos como Hitler no son flor de un día, son hijas del desastre económico y de futuros inciertos. La pérdida de fe en las propias posibilidades. Son como esos psiquiatras que tratan gente depresiva, les llenan la cabeza de halagos haciéndoles creer que son los reyes del mundo.
Un país tan culto como Alemania produjo las mayores atrocidades del siglo XX junto a la Unión Soviética de Stalin y la Camboya de Pol Pot. Un pueblo elevó a Hitler a la jefatura del Estado mediante las urnas, no con un golpe de Estado ni ganando una guerra civil como en España.
El pueblo también se equivoca, pese a la demagogia que dice lo contrario. Buena ambientación, pero el guión se centra en la anécdota y olvida el panorama histórico en que dichas atrocidades tuvieron lugar.

Título: Hitler: El reinado del malHitler: The rise of Evil
Director: Christian Duguay
Actores: Robert Carlyle – Stockard Channing – Matthew Modine – Jena Malone – Julianna Margulies – Liev Schreiber – Peter O’Toole – Peter Stormare – Friedrich Von Thun – Zoe Telford – Terence Harvey
Año: 2003
Pais: Canadá – Usa



Fallece Andy Whitfield a los 39 años

ADIÓS A ESPARTACO
Andy Whitfield
 El actor australiano Andy Whitfield, estrella de la serie de televisión Espartaco, Sangre y Arena murió a causa de un linfoma no-Hodgkin, una forma de cáncer, informaron medios locales.

Whitfield, de 39 años falleció "en una mañana soleada de domingo en Sídney", según un comunicado de prensa divulgado por la radio local ABC.

Junto a la estrella de la serie televisiva, estuvo su  esposa Vashti, quien le describió como "un joven y hermoso guerrero", agregó el comunicado.

Whitfield, nació en Gales (Reino Unido) pero residió gran parte de su vida en Australia y era prácticamente un desconocido cuando se presentó para el papel de Espartaco, una serie que se hizo popular por las escenas de violencia y sexualidad.

El actor se preparaba para su segunda temporada cuando hace 18 meses le diagnosticaron la enfermedad, por lo que fue reemplazado en el papel de héroe a principios de año por su colega y compatriota, Liam  McIntyre, actual protagonista de Espartaco, La Venganza que en el año 2012 verá la luz.

La enfermedad de Whitfield provocó que el inicio de la segunda temporada se aplazara y se rodara en su lugar una precuela, Espartado Dioses de Arena con los mismos ingredientes de violencia y de sexo, reapareciendo los actores cuyos personajes habían perecido en la famosa serie.


Andy Whitfield y Erin Cummings


domingo, 11 de septiembre de 2011

Psycho killer de culto

 SEVEN (1995)


David Fincher, recordado por su prescindible Alien 3, se sacó su espina con este intenso thriller policíaco que sin que sirva de precedente se distingue por su originalidad y por su intensidad dramática.
Un extraño asesino comete una serie de crímenes inspirados en los siete pecados capitales. Nos encontramos ante un psicópata ilustrado, un auténtico genio maligno.
Lo mejor de la película es el duelo interpretativo de Kevin Spacey y Morgan Freeman, en su duelo final, una sorprendente resolución del caso. Brad Pitt es algo excesivo en su interpretación y Gwyneth Paltrow es más bien un elemento pasivo, decorativo. 
Morgan Freeman borda su personaje de policía que está ya de vuelta de todo al intentar resolver un caso muy complicado. Las motivaciones del criminal son sorprendentes, un ser desquiciado que se mueve de forma calculadora con una lógica peculiar.
La ambientación es asimismo original, Fincher rueda un título muy personal en lo estético con sus claroscuros y ambientes sórdidos.




Seven (Se7en)
Año 1995 Duración 127 min. País Estados Unidos
Director David Fincher
Guión Andrew Kevin Walker
Música Howard Shore
Fotografía Darius Khondji
Reparto Brad Pitt, Morgan Freeman, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey, John C. McGinley, Richard Roundtree, R. Lee Ermey, Leland Orser, Richard Schiff, Julie Araskog, Mark Boone Junior, Daniel Zacapa, Richard Portnow
Productora New Line Cinema / Arnold Kopelson Production
Premios 1995: Nominada al Oscar: Mejor montaje
1995: Nominada BAFTA: Mejor guión original
1995: National Board of Review: Mejor actor de reparto (Kevin Spacey)
1995: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor actor de reparto (Kevin Spacey)
Género Thriller. Intriga | Crimen. Policíaco. Asesinos en serie. Película de culto

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