sábado, 30 de julio de 2011

El descendiente de Genghis Khan

TEMPESTAD SOBRE ASIA (1928)

Valeri Inkizhinov

Tempestad sobre Asia, título original en ruso: Потомок Чингисхана [Potomok Chinguiz-Jana] (El descendiente de Genghis Khan), es una película muda soviética de Vsévolod Pudovkin, basada en la novela homónima de Iván Mikhailovich Novokshonov (1896-1943). Fue rodada en 1928 y protagonizada por Valeri Inkizhinov. Duración: 126 minutos. La mayor parte de la película se rodó en Buriatia, y algunas tomas se hicieron en Verjneudinsk, Selenguinsk y Tarbagatae.
Nos encontramos ante uno de los grandes mitos del cine soviético, Tempestad sobre Asia, en las postrimerías del cine mudo y del gran cine que apareció tras la Revolución, un cine que posteriormente fue barrido por el comisario estalinista Djanov partidario de un cine de menor calidad artística pero que fuera más comprensible para el gran público de la época que no entendió nunca las elucubraciones de Eisenstein y del cineasta que nos ocupa, Pudovkin.
Autor de la trilogía revolucionaria La madre, El fin de San Petersburgo y la que nos ocupa, Tempestad sobre Asia, nos encontramos ante un autor mitificado más por sus ideas políticas que por sus cualidades artísticas.
Probablemente la misma técnica en un filme de ideología contraria ya hubiera caído en el olvido por parte de los historiadores de cine, pero evidentemente no es el caso. El argumento gira alrededor de un cazador mongol que logra cazar un zorro y trata de vender la piel para ganarse el sustento de su familia, pero es timado por los malvados "capitalistas" de turno que tratarán de darle muerte.
En la parte negativa está la falta de unidad de la película. Tras contarnos la historia central, la película deriva hacia sus captores y una visita de estos a un templo budista del Tibet recreándose en contarnos sus ritos con todo detalle, olvidándose largo rato del tema central. En la parte positiva está la fuerza de las imágenes tan característica del cine soviético mudo. Un personaje explotado que finalmente toma conciencia de lo que es, un ser maltratado y oprimido por otra clase que vive en la opulencia, que se cree superior y que le desprecia.
Conocemos los rebeldes contra el imperialismo, los únicos que le tratan con humanidad. La falta de conciencia del mongol que esposado va a la muerte ignorando su destino, mostrándose sonriente frente a su verdugo que actúa por obligación y que es incapaz de rebelarse contra sus superiores.
Es muy significativa la secuencia del paseito hacia la muerte, el rostro sonriente del reo ignorando su cruel destino, frente al abatido soldado encargado de ejecutarle. Pudovkin muestra la falta de conciencia del personaje central, que evolucionará más adelante al descubrirse que es descendiente directo del gran caudillo Genghis Khan, y la amargura de quien se ve forzado a cumplir un penoso deber. El soldado representa otra forma de opresión, esta vez apoyado en la debilidad y la impotencia ante una situación injusta.
La fuerza de las imágenes es impactante, dura y vigorosa. Las secuencias del Tibet se ven algo alejadas del tema central, como si fuera otra película dentro de la película, pero destaca también el valor documental de cada plano.
Tempestad sobre Asia es un documento de un cine concebido con ánimos de la agitación de masas, vanguardista, directo. Pertenece a una época concreta ya periclitada, pero su valor histórico es innegable.


Tempestad sobre Asia (1928
Título original: Potomok Chingis-Khana
Género: Acción, Drama, Histórico, Bélica
País: Rusia
Duración: 82 minutos
Dirección: Vsevolod Pudovkin
Interpretación: Valéry Inkijinoff
I. Dedintsev
Aleksandr Chistyakov
Viktor Tsoppi
F. Ivanov
V. Pro
Boris Barnet
Karl Gurniak
I. Inkizhinov
L. Belinskaya


miércoles, 27 de julio de 2011

Juan sin Tierra ataca de nuevo

TEMPLARIO (2011)

Cuando se estrenan películas históricas sobre Inglaterra las monarquías más recurrentes son: el mítico rey Arturo y sus leyendas; los Plantagenet (Enrique II, Leonor de Aquitania, Ricardo Corazón de León y Juan Sin Tierra) y los Tudor (Enrique VIII y su hija Isabel).
Enrique VIII y Juan Sin Tierra parecen competir por el dudoso título de monarca más odiado no sólo por la nación sino por todo el mundo por la difusión internacional de estas películas.
La mala fama de Juan I de Inglaterra puede ser considerada injustificada dentro de lo perverso que es el sistema monárquico, fue un rey que gravó con muchos impuestos la corona pero eran para pagar los enormes gastos de la cruzada de su hermano Ricardo. Al fallecer éste se negó a participar en la cuarta para evitar los enormes gastos que esto comportaba y como represalia los historiadores, monjes en su mayoría, le presentaron como un ser extraordinariamente mezquino.
Fue monarca porque su hermano mayor no tuvo hijos legítimos, Ricardo I "Corazón de León" según algunas fuentes era homosexual (El león en invierno lo apunta, pero es un detalle olvidado en casi todas las películas sobre este personaje) y su esposa Berenguela de Navarra no tuvo hijos. Al parecer no fue feliz en su unión que era más decorativa que real.

Kate Mara

El punto de partida de Templario (2011) recuerda el final de Robin Hood (2010) de Ridley Scott. Juan Sin Tierra debe de firmar una Carta Magna que garantice la libertad de los ingleses, pero en realidad se la pasa por el foro asesinando a quienes le obligaron a hacerlo. Más lo menos lo que Fernando VII de España hizo con la Constitución de 1812 de las Cortes de Cádiz, traer un ejército extranjero para derogarla y asesinar a quien la promovió. Estas películas citadas nos lo presentan como un déspota que cree que el poder le ha sido concedido por dios y que le autoriza a hacer lo que le plazca con la vida de sus súbditos. Es decir que se convierte en un monarca absoluto, en un auténtico tirano que se dedica a realizar felonías sin cuento.
En este filme de acción medieval se jubila a Ivanhoe y Robin Hood, las figuras más recurrentes en estos relatos históricos y se recurre a Thomas Marshall (James Purefoy), un templario con voto de castidad. Purefoy es un rosto conocido pese a no ser una auténtica estrella, de momento, porque fue el chulesco Marco Antonio de la serie Roma de HBO. No es una superproducción pero sí una película digna que ha interesado al público amante de espectáculos violentos, al cine de pura acción.
Las escenas de lucha, muy frecuentes, rodadas cámara en mano le añaden esa sensación de violencia gore recreándose en detalles innecesarios como amputación de miembros y desgracias similares. El guión es ultratópico, parece haber sido redactado con un manual que existe en la industria cinematográfica porque siempre pasa lo mismo. Los diálogos dan la impresión de haberlos escuchado en miles de ocasiones. El resultado es un filme excesivamente clásico, la película que se parece a otras películas pero que al estar realizados con corrección no aburre y se ve con cierta simpatía porque carece de pretensiones.
Templario es un título recomendable si se carecen de pretensiones cinéfilas, no gustará al erudito pero sí al espectador que sólo busque pasar el rato en una sala y después en el pase del DVD en su domicilio. En este sentido cumple con lo que promete. Es un espectáculo honesto aunque rutinario.


James Purefoy

Título: Templario (2011)

Título original: Ironclad
País: UK, USA
Estreno en USA: 00/06/2011
Estreno en España:
Genero: Accion, Aventuras
Productora: Mythic International Entertainment, Film & Entertainment VIP Medienfonds 4 GmbH & Co. KG (I), Premiere Picture, Silver Reel, VIP 4 Medienfonds
Director: Jonathan English
Guión: Jonathan English, Erick Kastel
Reparto: Kate Mara, Jason Flemyng, Brian Cox, Derek Jacobi, Paul Giamatti, James Purefoy, Aneurin Barnard, Erick Kastel, Mackenzie Crook, Charles Dance, Vladimir Kulich, Guy Siner

miércoles, 20 de julio de 2011

El Día del Amigo

FELIZ DIA DEL AMIGO


Hoy se ha celebrado el Día del Amigo y se ha puesto de moda enviarse felicitaciones. A mí se me ha ocurrido enviaros ésta porque la encuentro divertida. El machismo de nuestra sociedad ha especulado mucho sobre la supuesta relación entre Batman y Robin, pero siempre de forma malintencionada. ¿Qué hay de malo en ello? ¿Porqué cuando dos personas son amigas ya se especula sobre una supuesta relación sentimental como si molestara la simple amistad? No es muy sana una sociedad en la que se enloda cualquier relación entre personas de forma tan absurda como gratuita.
Feliz Día del Amigo para todos.

sábado, 16 de julio de 2011

La visión polaca del antiguo Egipto

FARAÓN (1966)

Cuando se estrenó esta película de corte histórico o seudohistórico, los Ramsés XII y XIII jamás existieron, los críticos y los públicos de todo el mundo se quedaron perplejos. En la actualidad, Faraón es todo un clásico del género. En realidad los aspectos históricos no son datos fríos, no se pretende contarnos la vida de dos faraones que, como he dicho antes, no existieron, sino enseñarnos cómo era aquella época de la forma más realista posible.
Porque lo más curioso de este título es que a pesar de mostrarnos una época muy alejada en el tiempo es actual debido a que la historia se repite siempre de forma cíclica, no exacta, diferente en la forma pero idéntica en el contenido. La lucha del oprimido contra el opresor. La inutilidad de cambiar la realidad desde el poder, recordemos los casos de John F. Kennedy o Salvador Allende con trágico fin.

Krystyna Mikolajewska

Faraón sorprendió primero por la forma. Estábamos acostumbrados al Egipto Made in Hollywood, Tierra de Faraones, las diferentes Cleopatras, Sinuhé el Egipto. Títulos en los que se mostraba un Egipto carnavalesco con música de fanfarrias. No quiero decir que estas películas son malas, sino que son muy poco realistas. Todo es muy bonito, muy pintoresco, muy colorista. En cambio la versión polaca sobresale por su realismo, huyendo de actores envarados y rígidos que actúan con solemnidad, nos encontramos con rostros desconocidos en España. Fuera de su Polonia natal son desconocidos, la difícil frontera del idioma y el monopolio de Hollywood en el terreno de la distribución han impedido que sus películas hayan llegado a nuestras pantallas y que incluso tengan mala fama de cine aburrido, triste, críptico, más propio de cineclubs pedantes con espectadores barbudos y presentadores mitineros.
Basado en una novela de Alexander Glowacki (1847 - 1912), que firmaba como Boleslav Prus, un periodista y escritor polaco, uno de los principales representantes del positivismo polaco de segunda mitad del siglo XIX. Sus novelas más importantes son La muñeca (1890), Las emancipadas (1894) y Faraón (1897).
Está considerado junto a Henryk Sienkiewicz, Eliza Orzeszkowa y Stefan Żeromski, el más destacado escritor del positivismo polaco y uno de los más prestigiosos en su país. La influencia de Prus la observamos en no pocos escritores del siglo XX.

Barbara Brylska

Este texto interesó al director polaco Jerzy Kawalerowicz (Gwozdziec, 1922 - Varsovia, 2007) , uno de los más importantes del cine de su país, aunque su trabajo apenas superó los circuitos intelectuales europeos a partir de la década de los años sesenta. Tras formarse en la Academia de Bellas Artes de Cracovia, con 23 años decidió estudiar dirección cinematográfica, así que ingresó en el Instituto Cinematográfico que existía en dicha ciudad. Dio sus primeros pasos profesionales como ayudante de dirección de varios directores de los cincuenta, experiencia que le sirvió para acometer su primer trabajo, Gromada, en 1952, aunque fue en colaboración con Kazimierz Sumerski, tras haber recibido ya un premio al guión.
A partir de 1954 dirigió ya con cierta regularidad una serie de películas que apenas salieron más allá de su país, aunque Kawalerowicz fue uno de los directores que se vieron favorecidos en un primer momento -aunque luego condicionado- por la política cinematográfica diseñada por el secretario del partido comunista polaco Wladislaw Gomulka a lo largo de los años cincuenta y sesenta.
En los años sesenta, el Partido Comunista de Polonia (en los países comunistas el Estado era el principal productor ya que no existía la propiedad privada) se planteó rodar grandes superproducciones basados en joyas literarias polacas y ambientados en otros lugares y en otras épocas. El manuscrito encontrado en Zaragoza (1965) de Wojciech Has, basado en Jan Potocki, ambientado en la España napoleónica, Los Caballeros Teutónicos (1960) de Aleksander Ford, basado en Henryk Sienkiewicz (Qvo Vadis?) con escenarios de la Polonia medieval. Películas espectaculares que sobresalen del conjunto intimista. Citando a Henryk Sienkiewicz, Jerzy Kawalerowicz quiso rodar sin éxito Qvo Vadis? durante largo tiempo y si lo hizo en el 2001 estrenándose en el Vaticano en presencia del papa Juan Pablo II que elogió la película, con un nivel inferior al resto de la obra de su autor y que contradice su discurso habitual en apariencia.

Y subrayo que sí, en apariencia, Jerzy Kawalerowicz en Faraón rueda una película épica contra el poder de los religiosos y Qvo Vadis es todo lo contrario. Henryk Sienkiewicz y Boleslav Prus exponen discursos contra el poder establecido y contra la opresión a que es sometida el pueblo en diferentes épocas. El Egipto de los faraones y la Roma de los césares. Los primeros cristianos fueron una respuesta al poder pagano de los patricios romanos, conquistadores de todo el mundo conocido y que sojuzgo naciones enteras convirtiendo a millones de personas en esclavos para su enriquecimiento personal. En Egipto este poder, aparte del militar de la dinastía gobernante, estaban el de los sacerdotes egipcios que acaparaban los tesoros reales mientras la población padecía hambruna y que son capaces de desviar una marcha militar, provocando la muerte de un pobre esclavo, para no pisotear a dos escarabajos considerados animales sagrados.

Cada época, cada lugar ha tenido su guerra. Pueblos que un día fueron oprimidos se convierten en opresores y viceversa. Cada época es distinta pero permanece el mismo esquema, una minoría opresora, aristocrática, que vive por encima de toda moral y una mayoría que vive en la indigencia y también en la ignorancia por carecer de acceso a la información.
En Faraón sorprendió su contenido además de su estética realista. Asimismo su erotismo o mejor dicho la ligereza del vestuario femenino de las amantes del príncipe aspirante a faraón. Fue cortada en su estreno la orgía del príncipe en palacio con las cortesanas mostrando su pecho natural, sin operaciones ni silicona, ni dobles de cuerpo como ocurre en el cine actual.
Un espectáculo entonces innovador pero que en la actualidad se ha convertido en un clásico del género, un clásico indiscutible, en una obra maestra y una de las mejores películas históricas de todos los tiempos.
Título original: Faraon. Título en castellano: Faraón. Año: 1966.Nacionalidad: Polonia.Duración: 184 minutos.Director: Jerzy Kawalerowicz. Guión: Jerzy Kawalerowicz y Tadeusz Konwicki, basado en la novela del mismo título de Boleslav Prus. Música: Adam Walacinski.Fotografía: Jerzy Woljcik.Montaje: Wieslawa Otocka.Dirección artística: Jerzy Skrzepinski.Vestuario: Maria Czekalska, Andrzej Majewski.Productor: Ludwig Hager. Productora: Kadr Film. Género: Drama Histórico
Reparto: Jerzy Zelnik (Ramsés XIII), Andrzej Girtler (Ramsés XII), Wiesława Mazurkiewicz (Nikotris), Piotr Pawłowski (Herhor), Krystyna Mikolajewska (Sarah), Leszek Herdegen (Pentuer), Emir Buczacki (Tutmosis), Barbara Brylska (Kama), Stanislaw Milski (Mefres).

Barbara Brylska

viernes, 15 de julio de 2011

90 años después

LAS DOS HUÉRFANAS (1921)

David Wark Griffith (La Grange, en la zona rural de Kentucky, 22 de enero de 1875 – Hollywood, 21 de julio de 1948), el gran cineasta, había rodado su obra maestra, Intolerancia (1916) que le había llevado a la ruina pero como buen caballero sudista pagó todas sus deudas aunque el decorado de la antigua Babilonia estuvo muchos años son desmontar por causas de falta de liquidez económica.
Como suele ocurrir en casos parecidos, tras un fiasco o se va al paro o se rueda cine más comercial. Naturalmente Griffith apostó por la segunda solución y con Las dos tormentas (1920) volvió a saborear las mieles del éxito mercantil que es el que le daba de comer pese a todo.
El viejo maestro estaba muy bien dotado para el melodrama y el suspenso, esos dramáticos salvamentos en el último minuto tras tener en vilo al público durante toda la programación. Arte en el que era un auténtico maestro, antes de que irrumpiera el gran Alfred Hitchcock en los estudios británicos. Porque se olvida que el inventor del suspenso no fue el orondo inglés sino ese caballero sudista de ideas conservadoras que en la actualidad son consideradas políticamente incorrectas y que destacan por su ingenuidad.

Lillian y Dorothy Gish

Como Las dos tormentas volvió a llenar de dólares las arcas del padre del cine, como muchos le califican, siguiendo la misma línea Griffith se puso a rodar otro meoldrama ubicado en la Revolución Francesa de la que da una imagen babilónica con esa monumental orgía por las calles de París (un París de plató de Hollywood) que es puro delirio.
Griffith compara a Danton con Abraham Lincoln, y empieza la película con una loa patriótica a los Estados Unidos, el sistema político deseado por los revolucionarios franceses. Pero claro para el autor de Intolerancia, la revolución de Robespierre está más cerca de la satanizada revolución soviética comparanda a los "sans colulottes" con los bolcheviques. Un cambio político brutal revanchista a golpe de guillotina en la que las dos protagonistas son juguetes del destino.
Las dos protagonistas son Lillian Gish, estrella habitual de Griffith, con su cara de pajarillo asustado y reina indiscutible del llanto porque esa mirada dulce y tierna sabía conmover a las plateas de todo el mundo. En esta ocasión está acompañada por su hermana Dorothy, menos famosa, pero que tuvo así una carrera consistente.
Los elementos melodramáticos están perfectamente logrados, animados por una realización vigorosa. Hace ya 90 años que esta película vio la luz, y aún hoy destaca su vibrante narración que sorprende incluso a los públicos actuales pese a que la técnica cinematográfica está mucho más avanzada que la de aquella época. El cine entonces estaba en pañales como quien dice y las películas de Griffith entonces dejaba boquiabierto a todo el mundo, como los Peter Jackson o Steve Spielberg actuales. Claro está que las comparaciones son odiosas porque el fenómeno Griffith jamás se ha repetido a lo largo de la historia.

Dorothy Gish, David Wark Griffith, Lillian Gish

Orphans of the Storm (1921)
Director: D.W. Griffith Guión: D.W. Griffith, basado en la obra de Adolphe d’Ennery y Eugène Cormon Foto: Paul H. Allen, G.W. Bitzer, Hendrik Sartov Música: Louis F. Gottschalk, William Frederick Peters Actores: Lillian Gish (Henriette Girard), Dorothy Gish (Louise Girard), Joseph Schildkraut (Chevalier de Vaudrey), Frank Losee (Count de Linieres), Katherine Emmet (Countess de Linieres), Morgan Wallace (Marqués de Praille), Lucille La Verne (Mother Frochard), Sheldon Lewis (Jacques Frochard), Frank Puglia (Pierre Frochard), Creighton Hale (Picard), Leslie King (Jacques-Forget-Not), Monte Blue (Danton), Sidney Herbert (Robespierre), Lee Kohlmar (King Luis XVI) Country: USA Idioma: English Duración: 150 min; B&W; muda




jueves, 14 de julio de 2011

Las secuelas chinas de "Los dioses deben de estar locos"

PELICULAS RARAS (2)
DIOSES LOCOS EN CHINA

Nixau en Paris

Los dioses deben de estar locos (1980) de Jamie Uys es una película ultrabarata rodada en el Kalahari con actores desconocidos por una productora sudafricana y que, por algún milagro desconocido, se convirtió en todo un éxito de taquilla debido a su ingenio y a la originalidad de sus planteamientos. Una película que considero altamente recomendable por su gracia y por la inteligencia de los gags.
Una avioneta viaja por el desierto Kalahari, su piloto bebe una cocacola tirando el casco por la ventanita y cae enmedio del desierto ante los ojos atónitos de un bosquimano (Nixau) que está desconcertado. Cree que es la botella es un regalo de los dioses, pero como crea problemas en la tribu decide devolverla e inicia un largo viaje en busca de sus propietarios. La situación inicial es ya insólita, pero Uys sabe sacarle partido. El éxito provocó una secuela de presupuesto más holgado, Los dioses deben de estar locos 2 (1989) que también tuvo éxito convirtiéndose en dos joyas del cine de humor altamente recomendables.
No voy hablar aquí de estas dos comedias ya memorables y clásicas, sino de sus consecuencias. Crazy Safari (1991), Crazy Hong Kong (1993) y por último, The Gods Must Be Funny in China (1994) son tres secuelas chinas que trataban en vano de aprovechar el éxito de sus antecesoras. Recuperaban al bosquimano de forma oportunista, pero el humor es distinto, es muy simplón y estúpido por lo que la magia se disipó en la nada.

La trama de Crazy Safari empieza en China, en la búsqueda de un antepasado vampiro (?) que por accidente el avión cae en el Kalahari y los bosquimanos se encuentran al extraño personaje en su comunidad. Un vampiro que anda a saltos y hace cosas raras como golpearse con los árboles y hace caer sus frutos en beneficio de los indígenas.

Crazy Hong Kong cuenta como el bosquimano se mete en un avión por error y va a parar a Hong Kong, encontrándose en una ciudad extraña que no comprende y vive sus aventuras. Es la única entrega, quefue distribuida en vídeo VHS en España, que no he visto. Como la anterior no tuvo ningún éxito porque no tenía tras de sí el ingenio de Uys.

The Gods Must Be Funny in China (1994), la última, muestra ya al bosquimano en Hong Kong corriendo por la Gran Muralla. Ya sabe que las cocacolas son un refresco y no regalo de los dioses, vive integrado en la sociedad china aunque se le vea con recelo porque es diferente, y fuma puros. La personalidad del filme original se ha esfumado en la nada y la quinta película no es más que una torpe sucesión de tonterías sin ninguna gracia.
Hasta su muerte, diez años después, Nixau vivió alejado del mundo del cine en su tierra natal. Precisamente la edición de DVD de sus dos primeras películas, las originales, lleva un documental con entrevistas donde le vemos pasando sus éxitos en portátiles en colegios ante la chiquillada. comenta que la visión que se da de la tribu es idílica porque la vida en el desierto es durísima. En los últimos años heredó una paga mensual de su mentor Jamie Uys que le permitió vivir en condiciones. Su entierro aparece también el vídeo aludido.
Los dioses deben de estar locos es un ejemplo de película que tenía todas las de perder y que triunfó de forma sorprendente en un mercado adverso. Nadie apostaba por ella. Nixau trabajaba de portero en un colegio. Jacobus Johannes Uys (30 de mayo de 1921 – 29 de enero de 1996) demostró que el milagro de arrasar taquillas con una producción modesta es posible si se le pone ganas. Aparte de las cintas citadas rodó documentales, Animals Are Beautiful People (1974) y Funny People II (1983) también agradables.
Lo que resulta más sorprendente de sus dos comedias aludidas es que nos muestra una selva con animales salvajes pero distinta a la de las películas de Tarzán o demás aventuras hollywoodenses, que nos la presenta como un lugar repleto de peligros, aquí en cambio es un lugar apacible y cotidiano, con rinocerontes que apagan todos las hogueras que se encuentran. Como dice un personaje de las mismas respecto a las fieras "si no las molestamos, ellas no nos molestarán". Esa visión tranquila de un lugar presentado generalmente como amenazador resultaba sorprendente y tal vez certero.




lunes, 11 de julio de 2011

Las mocedades de Gengis Khan

MONGOL (2007)

Todo el mundo ha oído hablar de Gengis Khan (monte Burjan Jaldun, ca. 1162 - Yinchuan, 18 de agosto de 1227), el conquistador de Mongolia, pero poca gente conoce su historia en Occidente porque nos dedicamos más a nuestros héroes nacionales que a los de países de extremo Oriente.
Temüdyin fue su nombre real, cambiado en sus años de gloria por el que conocemos. Jefe de todos los clanes. Tuvo vital importancia en su vida su esposa, Börte (1162-1227), su principal consejera.
Sergei Bodrov , el director, conjuga la parte espectacular de la vida de este caudillo y principal consorte, con el intimismo en las secuencias entre ambos. Prometidos a los diez años acaban por convertirse en un matrimonio muy bien compenetrado que conforman lo mejor de esta historia recreada en los mismos lugares donde tuvo lugar la acción.

Si hay algo que agradecer al director es que nos haya ahorrado esos espectáculos carnavalescos de otras versiones "internacionales" como la interpretada (aunque diría mejor asesinada) por John Wayne, El conquistador de Mongolia, el Gengis Khan con Omar Sharif que era francamente grotesco, y otros que son mejor olvidar. Hollywood siempre ha sido muy torpe a la hora de mostrar otras culturas porque son incapaces de comprenderlas, ni siquiera lo intentan cubriéndose generalmente del ridículo más absoluto.
Si la versión que nos ocupa cuenta con el handicap de estar protagonizados por actores desconocidos, es evidente su solvencia y credibilidad porque sus rostros no están ligados a ningún cliché. son mucho más genuinos y veraces.

Título original: Mongol
País: Alemania, Rusia, Mongolia
Estreno en USA: 06/06/2008
Estreno en España: 05/12/2008
Estreno en DVD (venta): 13/05/2009
Productora: Picturehouse
Director: Sergei Bodrov
Guión: Arif Aliyev, Sergei Bodrov
Reparto: Aliya, Tegen Ao, Tadanobu Asano, Ying Bai, Khulan Chuluun, Bao Di, Bayertsetseg Erdenebat, Deng Ba Te Er,

viernes, 8 de julio de 2011

Clash of Empires: Battle for Asia

PELICULAS RARAS (1)

Casualmente me encuentro por internet con ese titulo de una película malaya. Romanos y chinos reunidos en una misma trama. Parece como si alguien estuviera tocado del ala porque el proyecto es bien insensato. El hijo del emperador Adriano realiza un viaje para encontrase con su prometida, una princesa china llamada a convertirse en la esposa del futuro césar. Aparece una Roma estrambótica con extras a los que el casco les va pequeño y les baila en la cabeza. Chinos, romanos, hindúes y algún malayo deambulan en tan metraje absurdo. ¿Dónde aprendió kung-fú el romano?
La visioné debido a la alta curiosidad que me ha despertado tan extraña historia. Sale un malayo descendiente de Alejandro el Magno y unos seres raros que son los malos, como de costumbre, organizando sus follones malandrines.
Es verano, hace calor y voy en escueto bañador por casa luciendo barriga. Así que bebiendo agua helada me presto a visionar tan extravagante epopeya. Hasta me extraña que los frikkies no la hayan descubierto y escriban panegíricos diciendo que es una obra maestra como suelen hacer con todo bodrio infame que algunos desaprensivos han rodado por esos mundos de Dios. El mal cine está de moda.
Mención aparte merece el subtitulado en un castellano macarrónico. Comentarios del tipo "mañana seremos flechados" para decir que "mañana las flechas enemigas nos matarán" jalonan y amenizan la proyección.
Respecto a la obra que nos ocupa me pregunto si sus autores se habrán escapado de algún psiquiátrico. Así que me la tomé a guasa y santas pascuas.


TÍTULO ORIGINAL: Hikayat Merong Mahawangsa (The Malay Chronicles: Bloodlines) (Clash Of Empires: Battle For Asia)
AÑO: 2011
DURACIÓN: 109 min.
PAÍS: Malasia
DIRECTOR: Yusry Kru
GUIÓN: Yusry Kru, Amir Hafizi
MÚSICA: Edry Abdul Halim
REPARTO: Stephen Rahman Hughes, Gavin Stenhouse, Jing Lusi, Craig Fong, Henrik Norman
PRODUCTORA: KRU Studios
GÉNERO: Aventuras. Acción | Cine épico

martes, 5 de julio de 2011

Mayo del 68 en la Edad Media

PASEO POR EL AMOR Y LA MUERTE (1969)

Un año después de la Revuelta del Mayo del 68, que parece revivir en la actualidad con el Movimiento de los "Indignados", John Huston nos sorprende con ese drama romántico ambientado en la Guerra de los Cien Años (1337-1453), al final de la Edad Media, y que en realidad refleja la muerte de un sistema político, el feudalismo, que en aquella época se batía en retirada y estaba a punto de desaparecer por el retorno a las ciudades.
Un estudiante de París viaja hacia la costa para conocer el mar, conoce a una chica noble y la semilla del amor germina. Corren malos tiempos, mejor dicho, tiempos difíciles. Los campesinos asaltan todos los castillos y dan muerte a los nobles, pasan hambre y miseria. Un sistema nuevo está a punto de aparecer, se está incubando la Edad Moderna.
Los dos protagonistas son reflejo de los revoltosos del Mayo del 68, procedentes de la burguesía. Dos muchachos que navegan entre dos clases, la opresora y la oprimida.
Paseo por el amor y la muerte es una de las mejores recreaciones de la Edad Media en la pantalla, generalmente vista en películas de colorines absurdos. El Señor de la Guerra y El Cid, ambas con Charlton Heston, Campanadas a medianoche de Orson Welles, Camelot de Joshua Logan, Alexánder Nevsky de Serguéi Eisenstein, Los Caballeros Teutónicos de Aleksander Ford, Los cien caballeros de Vittorio Cottafavi, El séptimo sello de Ingmar Bergman, auténticas joyas que reflejan la Edad Oscura desde varios puntos de vista distintos.
En el caso de Huston nos encontramos con una metáfora que acaba de cobrar nueva actualidad. La de un mundo que se muere y la de otro que está naciendo, llevándose por el camino a mucha gente. La crisis de un sistema que asfixia, que hunde en la miseria a multitudes que acaban por rebelarse y hundir a quien les oprime, llegando incluso a la eliminación física.
Bella película que no ha envejecido y que se ha convertido en un clásico que se merece su urgente revisión.

Anjelica Huston

Título Original: A Walk with Love and Death
Año: 1969
Duración: 90 min.
País: Estados Unidos
Director: John Huston
Guión: Dale Wasserman, John Huston, Hans Koningsberger (Novela: Hans Koningsberger)
Música: Georges Delerue
Fotografía: Ted Scaife
Reparto: Anjelica Huston, Assaf Dayan, Anthony Corlan, John Hallam, Eileen Murphy, John Huston, Anthony Nicholls, Robert Lang, Michael Gough
Género: Drama, Romance


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