miércoles, 23 de febrero de 2011

Un peplum de Riccardo Freda

TEODORA, EMPERATRIZ DE BIZANCIO (1954)

En los años 50 el peplum estaba de moda y las cohortes romanas y los mirlitones griegos estaban en su apogeo viviendo una Edad de Oro. Una de sus musas principales sino la más brillante se llamaba Gianna María Canale, esposa del realizador Riccardo Freda, y según algunas malas lenguas realizadora en el anonimato de algunas películas de su consorte.
Parecía la persona adecuada para interpretar a Teodora (502-548), la famosa emperatriz de Bizancio. La mayoría de las películas llamadas de "romanos" vulgarmente suelen centrarse en los mismos emperadores: Julio César, Calígula, César Augusto, Marco Antonio y Cleopatra, Nerón y mucho menos Claudio. El resto parece que no existe.
Teodora vivió en el siglo VI, en la época en que el Imperio se dividió en dos. Nacida en un circo se convirtió en una mujer vagabunda hasta llegar a Bizancio. Una gitana, una zíngara de extraordinaria belleza y una inteligencia fuera de lo común que derrotó a Justiniano en el circo en una carrera de cuadrigas dejándole impresionado.
Teodora, emperatriz de Bizancio (1954) es un peplum modesto. No es William Wyler, Mervin LeRoy ni mucho menos Cecil B. DeMille, Riccardo Freda fue un director de series B, un artesano modesto y eficaz pero que en su haber cuenta con la virtud de que jamás aburrió.

Gianna María Canale

Así, a este modesto peplum de los primeros cincuenta podría verse actualmente algo anticuado pero en su modestía, en su falta de pretensiones llega a interesar. La estrella, en aquel tiempo muy rolliza, seduce al público sin esfuerzo. En películas posteriores aparecía con una imagen mucho más estilizada y con una mirada enigmática, penetrante con una belleza exótica, misteriosa.
La trama es sencilla. Se nota la falta de medios, que es un producto de serie con extras de plantilla de Cinecitta. El decorado del circo se asemeja al de Ben Hur, rodado años después. En aquella época se reutilizaban los mismos decorados en varias películas diferentes para poder amortizar su coste.
Tenemos empero algunas imágenes inéditas que recuerdan Ivan el terrible de Eisenstein. Todo lo demás son los tópicos de siempre. Las fiestas romanas, los músicos, las bailarinas. Ingredientes que dieron al género sus señas de identidad, su esencia. El paso del tiempo se nota sobretodo en que los efectos especiales ya están obsoletos y en los maquillajes femeninos. Pero a pesar de verse algo anticuada resulta agradable de ver y es merecedora de una revisión.

Teodora real

martes, 22 de febrero de 2011

Cisne negro (2010)

OPERACIÓN NATALIE PORTMAN

Natalie Portman es una de esas actrices que tienen un público embelesado con su físico dulce y desvalido. Es lo que podríamos denominar una "chica bonita". Eso tiene sus ventajas y desventajas. Chicas a las que se admira por su físico pero nunca por su inteligencia, que se desprecia, ni por su talento. Ya se sabe que la belleza física es efímera y que la juventud se aleja en un suspiro. En la película que nos ocupa tenemos la presencia de Winona Ryder, una actriz que era un caso similar al de Natalie y que en la actualidad se ha convertido en un juguete roto, una figura del ayer que realiza cameos y papeles secundarios.
Por eso, dichas actrices necesitan "demostrar" que son seres humanos, algo que considero innecesario porque es más que evidente, y que tienen talento. Por eso, en Cisne negro, Natalie Portman se desmelena a placer para demostrarnos sus cualidades histriónicas y dejar claro que en absoluto es una mujer florero.

Natalie Portman

Así que en la película de Darren Aronofsky, Natalie trata de romper con su imagen algo ñoña y lo consigue plenamente, incluyendo secuencia lésbica con Mila Kunis para poner toda la carne en el asador. El argumento precisamente trata de esto. De una bailarina que lleva años luchando para conseguir llegar a protagonista en la compañía que brilla con su estrella (Winona Ryder) que por razones de edad debe jubilarse cuando aún es joven y atractiva. Pero ya se sabe que en el mundo del ballet se es "viejo" antes de hora porque el físico humano no perdona e impide desarrollar completamente sus habilidades artísticas.
Así, la película en cierto modo desaprovecha el personaje de la bailarina que ha entrado en su declive y también el papel de la madre de la protagonista (Barbara Hershey) que en su juventud no llegó a nada y que trata de triunfar a través de su hija.
Toda la acción se centra pues en Nina Sayes, una bailarina que ha conseguido perfeccionar su técnica pero que no entrega su corazón al mundo del ballet. Una personalidad fría y asexual que la hace incapaz de triunfar con el ballet El lago de los cisnes de Piotr Ilich Chaikovski. Así que la muchacha se debe esforzar sobrepasando el límite de sus fuerzas perjudicando su salud y descendiendo al infierno de la esquizofrenia.

Natalie Portman consigue triunfar plenamente como actriz, la película convence a pesar de ser confusa en muchos aspectos porque nunca sabemos que lo que la pantalla nos muestra es real o una fantasía de la demente mente de la bailarina en busca de su perfección. La narración es ambigua y juega con el misterio y la confusión. La imagen es nerviosa, la cámara apenas usa el trípode porque apenas está quieta en los planos fijos como si hubiéramos vuelto a la época de la Nouvelle Vague francesa. Ese detalle acentúa el carácter esquizofrénico de su narración.
Darren Aronofsky crea un ambiente asfixiante, una atmósfera malsana, en que la protagonista acaba por poder su lucidez en pos del fantasma del triunfo tan caro a la cultura estadounidense y más concretamente hollywoodense.
El patito bello ha terminado por convertirse en un cisne. Según el ballet de Chaikovski, centrado en dos cisnes (uno blanco que es el bueno y otro negro que es el malo, la perversión de los colores provocando prejuicios hacia los oscuros) interpretados siempre por la misma bailarina, es el negativo y perverso el más difícil de interpretar por su poder de destrucción.
La realidad y la fantasía acaban por confundirse y la mente de la bailarina acaba por no saber distinguir lo real y lo ficticio.

Natalie Portman y Mila Kunis

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Y NATALIE GANA EL OSCAR


Natalie ha ganado el Oscar a la mejor interpretación femenina, en la foto arriba con la codiciada estatuilla y debajo con Jeff Bridges.





domingo, 20 de febrero de 2011

Adios a un amigo

ANTONI GRACIA "PIERROT"

Sitges 1974. La primera vez que asistí al festival de cine fantástico cuando preparábamos el primer ejemplar de "Vudú" que apareció dos meses después.
En la foto: Salvador Sáinz y "Pierrot"
Fue en 1974 cuando recibí una carta de Antoni Gracia "Pierrot" para comunicarme que preparaba una revista de cine fantástico, Vudú, porque Terror Fantastic había desaparecido porque no vendían el número suficiente de ejemplares para poder subsistir.
Quería incluir una sección dedicada a los mitos del terror y me la encomendó a mi. Después me consiguió una acreditación en el festival de Sitges, fue la primera vez que asistí a un festival entero ya que anteriormente sólo había ido un día para conocer el ambiente.
Gracias a Pierrot pude introducirme en ese mundillo e iniciar mi carrera con grandes altibajos, grandes momentos y otros lamentables.
Eso lo digo bien alto porque reconozco que fue su iniciativa y su confianza en mí que pude abandonar el anonimato. Vudú me lanzó al mundo, me catapultó a las revistas extranjeras como Famous Monsters of Filmland, L'Ecran Fantastique y Mad Movies entre otras. De ahí salté hacia otros terrenos.
Fue Pierrot quién organizó una fiesta en Barcelona en 1992 para presentar mi novela Estruch. Le debo mucho a Pierrot, un amigo como hay pocos. Desde aquí le doy las gracias por todo lo que hizo por mí.


Pierrot era autor y director teatral, creador del grupo Teatro de Impacto, ilustrador creador de cómic e ilustraciones, también hizo algunos carteles de la primera etapa del Festival de Cine Fantástico de Sitges, fue editor de la revista Vudú, autor de varios libros, entre ellos Los Diarios de la Vampira de Barcelona, dibujante de exposiciones del cine fantástico, como los Monstruos del Fantástico, fue actor interviniendo en diversas películas nacionales y además fue presentador y shwoman en espectáculos musicales de salas nocturnas del Paral.lelo barcelonés, como en la mítica la sala Barcelona de Noche, participó en algunos programas de televisión y de radio y hasta produjo algún cortometraje. En fin, era uno de los nuestros del género fantástico.

sábado, 19 de febrero de 2011

Retorno al cine club

AIR DOLL (2009)

Hacía 22 años que no iba al cine club del Centre de Lectura, sito en mi Reus natal, pero los médicos que me atienden en mis otoñales (a veces pienso que invernales) achaques me han recomendado encarecidamente que cambie rápidamente de hábitos si no quiero irme prematuramente al cementerio de mi ciudad metido en una urna de cenizas.
En fin, no voy a narrar nada desagradable en estas líneas. Desde que asistí a la Mostra de Valencia en el 2007, no asistía en una proyección en un local como Dios (o el destino) manda. Los cines comerciales de mi ciudad suelen ser muy impersonales y generalmente cuando acudo a sus salas suelo estar sólo y triste viendo las películas de rigor ante una pantalla que me ofrece imágenes descoloridas.
Extrañamente los DVDs me ofrecen unos colores más vivos en mi TV de pantalla panorámica con una imagen de alta definición. Así, a lo largo del año, me suelo ver entre de todas las nacionalidad y géneros, menos del terror porque me tienen ya harto con un encasillamiento tan inútil como estúpido.
Así pude disfrutar de una proyección en una sala de gran valor arquitectónico como es el teatro Bartrina con la compañía de amigos de infancia o de reciente adquisición, lo cual para mí ha sido importante por vencer al miedo de salir de noche que he tenido durante las últimas décadas de mi existencia.


Y ahora pasemos a la película que he visto en el cine-club de mi ciudad al que he aludido. Se titula Air Doll de Hirokazu Koreeda, película de nacionalidad japonesa. Me suele gustar mucho la cultura refinada de este país oriental y siempre me complace ver una película que nada tiene que ver con el adocenado cine comercial de las multinacionales que entienden la cinematografía como un negocio dirigido a públicos lelos de escaso cerebro. Por desgracia a veces tienen razón, pero no voy a dedicarme aquí al insulto gratuito por no ser de mi interés.
Air Doll no tiene espectaculares efectos especiales, su factura es modesta, pero su narración es humana aunque metafórica. Un hombre vive con una muñeca hinchable, pero ésta toma vida y se va de casa cuando su propietario acude al trabajo.
En el 1973, Luis García Berlanga había dirigido con el mismo tema Tamaño natural Grandeur nature), aunque rodada en Francia porque la censura española del invicto general Franco no se lo permitía rodar en nuestro país. Esta película provocó la indignación de las asociaciones feministas porque consideraron que la película era misógina y degradaba el papel de la mujer en una relación de pareja porque el hombre la consideraba un objeto sexual. Yo en cambio pensé que esta lectura estaba equivocada porque tanto el film de Berlanga como la cinta japonesa que nos ocupa tratan de la incapacidad del hombre de tener una relación igualitaria con una mujer a la que convierte en mero objeto pasivo. En el mismo año, Pedro Olea rodó No es bueno que el hombre esté sólo con José Luis López Vázquez y Carmen Sevilla, curiosamente se la dejaron rodar en España cuando a Berlanga se lo impidieron. Con afán completista recuerdo Dinero negro (1984) del caro amigo Carles Benpar, en que el propio Berlanga hacía un breve papel de un hombre que vivía precisamente con una muñeca.
Más que machista yo considero que tal circunstancia es triste, una muñeca hinchable no puede sustituir a ninguna mujer por muy perfectas que sean. Recurrir a ese método para paliar la soledad es algo terrible, doloroso e inhumano.
El personaje de Air Doll, aunque de cultura lejana a la nuestra, demuestra que tampoco somos tan diferentes como las circunstancias aparentan.
La incomunicación, el machismo, impiden una relación fluida entre dos seres humanos porque sus genitales son distintos. Y también porque nuestra tradición cultural condiciona nuestra intimidad. Si las películas de Berlanga y Olea mostraban la relación desde el punto de vista masculino, Koreeda nos muestra en cambio el femenino.
Air Doll en realidad es una metáfora sobre la condición femenina en una cultura que la ningunea y la reduce a mero objeto sexual que la limita, la perjudica y la convierte en un ser invisible sin ninguna personalidad.
Su estilo narrativo es muy japonés, sin grandes estridencias y un relato lento, reflexivo y sutil. La muñeca hinchable queda reducida a un papel de usar y tirar como si careciera de valor. La condición humana es mezquina y triste. Sin embargo se olvida que al degradar a la mitad de la sociedad en realidad nos degradamos también a nosotros mismos. La incomunicación provoca nuestra soledad de la que es muy difícil salir.


Bae Doo-na, la muñeca hinchable


Título V.O.: Kûki ningyô Año de producción: 2009 Distribuidora: Golem Género: Drama Estreno: 18 de junio de 2010 Director: Hirozaku Koreeda Guión: Hirozaku Kore-Eda Música: World's End Girlfriend Fotografía: Mark Lee Ping-Bing Intérpretes: Bae Doo-na (muñeca hinchable), Arata (Junichi), Itao Itsuji (Hideo), Joe Odagiri (Sonoda), Sumiko Fuji (Chiyoko), Masaya Takahashi (Keiichi)

Filmografía de Hirozaku Koreeda
Largometrajes

1995 - Maboroshi no hikari
1999 - After life
2001 - Distance
2004 - Nadie sabe, (Nobody Knows)
2006 - Hana yori mo naho
2008 - Aruitemo aruitemo, (Still Walking)
2009 - Kûki ningyô, (Air Doll). Adaptación del manga de Yoshiie Gōda

domingo, 13 de febrero de 2011

La última de Disney

ENREDADOS

La Disney estrena película y éxito asegurado. La productora pionera en el mundo de la animación continúa en la brecha pese a que su fundador Walt Disney ya no esté entre nosotros desde hace más de cuatro décadas pero sus sucesores han sabido mantener viva la llama de la fantasía y la imaginación.
La presente película, basada en el cuento de Rapunzel, un cuento que apenas recordaba de mi infancia por haberlo visto anunciado en algún lugar pero nunca tuve la oportunidad de leerlo.
Como uno tiene familiares en edad menuda, mi sobrina Celia en mi caso, ya tengo excusa para acudir a la sala de 3D sin llamar la atención entre tanto crío presente en la sala.
La verdad es que disfruté como un enano porque la narración es perfecta, no tiene puntos muertos, es muy simpática y agradable de ver. Tal vez muy tópica, como casi todas la filmografía de Disney, pero teniendo en cuenta de que está dirigido a un público novato se disculpa y se comprende. Por otra parte me parece perfecto que muchos niños y niñas se inicien en el cine con esa clase de obras que siempre permanecerán en nuestro recuerdo.


Título: Enredados
Título original: Tangled
País: USA
Estreno en USA: 24/11/2010
Estreno en España: 04/02/2011
Productora: Walt Disney Pictures
Director: Nathan Greno, Byron Howard
Guión: Mark Kennedy, Dean Wellins
Reparto: (Voces de) Mandy Moore, Zachary Levi, David Cross, Carol Burnett, Jason Alexander, Donna Murphy, Pam Hyatt.
Inspirada en el conocido relato de los Hermanos Grimm.
Banda Sonora: Alan Menken

La película que ganó en Sitges en 1980

COVJEK KOGA TREBA UBITI
(EL HOMBRE QUE HAY QUE DESTRUIR)

Las diablesas en acción

Mucha gente dice que el cine de los países del Este son aburridas. Sobretodo en la época de Franco, pero ya se sabe que los tiempos cambian. Eso no es cierto de ningún modo. Las películas que se ven en los festivales y cineclubs no representan la totalidad de su producción, son títulos selectos de determinadas tendencias que gustan a un sector mayoritario de la crítica per no al público.
Al director de la película que nos ocupa; Veljko Bulajic, le conocí en persona en Madrid, en el año 1982. Era un hombre muy educado y afable que se interesó por mi fanzine Transylvania Express, entonces trabajaba para Chicho Serrador en Mis terrores favoritos.
El hombre que hay que destruir fue la película que ganó el Festival de Sitges de 1980. En aquella edición yo fui jurado por primera y única vez. Fue la película que yo defendí y voté porque me gustó mucho más que las demás que proyectaron.
A pesar de su prestigio en festivales internacionales no se estrenó en nuestras salas y no se volvió a ver. Hace poco me encontré esta foto de arriba en mis archivos y me entraron ganas de volverla a ver y me ha vuelto a gustar.
Se trata de una película modesta, con pocos medios y austera de producción pero muy imaginativa. Trata de una leyenda de Montenegro, que en 1980 estaba incluida en Yugoeslavia, sobre un zar llamado Esteban que sólo reinó seis años y que se creyó zar Pedro III de Rusia, asesinado un año antes, y se convirtió en un jefe de estado bueno, justo, noble.
Muchas hipótesis y conjeturas se han creado acerca de ese personaje de la segunda mitad del siglo XVIII. Nadie sabe de dónde vino, llegó a Montenegro y se convirtió en zar de la noche a la mañana y sin embargo con su gestión se ganó las simpatías y el cariño de sus gentes.
Veljko Bulajic, con su estilo elegante, cuenta una leyenda en la que se cree que ese personaje procedía del mismísimo Infierno, rebelándose contra Lucifer y la Iglesia Ortodoxa para defender la prosperidad y el bienestar de su pueblo.
Una leyenda muy hermosa, muy romántica, que cuenta con unas secuencias en el Infierno que son delirantes. A pesar de los 30 años transcurridos la película no se ve desfasada ni anticuada sino fresca e imaginativa. Es decir, una película sencilla que ha ganado con el paso del tiempo y se ha convertido en un clásico que se merecería un descubrimiento.



sábado, 12 de febrero de 2011

Encuentro en Madrid 1981

ROY ASTHON
UN CABALLERO BRITÁNICO

En el año 1981 asistí al Festival de Cine Imaginario de la Villa de Madrid y, entre otros personajes, conocí al maquillador de la Hamme Roy Asthon, a quien vemos en la foto de encima junto a Narcis Ribot (izquierda) y un servidor (derecha, casi de espaldas).
Asthon siempre fue muy educado conmigo y me trató con respeto y gentileza. Me regaló esas fotos de debajo las cuales me acaban de aparecer rebuscando mis archivos y las he escaneado para compartirlas.
Siempre me han gustado las personas educadas, sensibles, imaginativas y creativas como eran casi todos los profesionales de la Hammer. Ni siquiera Christopher Lee, pese a su mala fama, me trató con grosería. Sólo me han tratado groseramente ciertos profesionales españoles y sus siervos de la gleba.
Qué abismo hay entre éstos y los caballeros y damas británicos a los que he aludido en este escrito. El cine de la Hammer me fascinó, algo menos la Tyburn, Charlemagne y Amicus, pero aún así guardo muy buenos recuerdos de sus películas y del trato que recibí por su parte. en cambio, el material hispano, además de aburrirme son sus bodrios me trató de forma despectiva, insultante y prepotente.
En el trato humano se demuestra la cultura de cada uno y por eso no es de extrañar que gente zafia haya sido incapaz de rodar buenas películas.


domingo, 6 de febrero de 2011

El BD más esperado

AVATAR EN ALTA DEFINICIÓN

Por fin conseguí el blu-ray de Avatar. No sé qué pasa pero cada vez que la veo me gusta más. Cada vez encuentro más detalles interesantes.
De la película ya he hablado en otras ocasiones, un guión muy tópico y una realización brillante. En esta ocasión nos encontramos con escenas inéditas de las dos versiones estrenadas en los cines, la normal y la ampliada.
Conocemos el prólogo con el personaje central en silla de rueda en su mundo egoísta y caduco, en cierto modo se explica porque acaba aceptando la misión de viajar a un mundo extraño al suyo y se acaba enamorando de él. Mediante el contraste entendemos su elección que en la versión anterior no estaba tan clara e incluso parecía utópica.
En su mundo Jake no era nada, un cero a la izquierda, un inválido marginal en un mundo lamentable. En Pandora es un héroe, un personaje apreciado y admirado.
Pero lo que más me ha atraído del Blu-ray han sido los extras, las numerosas escenas eliminadas en las que ha desaparecido el personaje de Michelle Rodriguez que por cierto se llama Trudy Chacon (sí, Chacon, como nuestra ministra de Defensa) y su romance con escena de cama incluida con Joel Moore.

Michelle Rodriguez

Ver actuar a los actores con sus Mocap, los trajes de captura de movimiento, puede resultar algo surrealista. Pero resulta fascinante cuando interpretan a sus personajes en vivo hasta que la informática les convierte en otros seres, los na'vy de Pandora.
Por cierto, cuando experimento con la animación muchas veces se me bloquea el ordenador al recargar las imágenes. Por este blu-ray me entero de que al equipo de Avatar le pasaba lo mismo, así que éste es un mal generalizado.

Las aventuras del barón Munchhausen (1943)

REVISIÓN DE UN CLÁSICO

Corría el año 1943 cuando el ministro de propaganda nazi, Joseph Goebbels, quería celebrar el 25 aniversario de creación de la UFA con el rodaje de un film espectacular a todo color y así competir con las grandes superproducciones de Hollywood.
El resultado fue Las aventuras del barón Munchhausen (1943) cuyo guión fue encargado a un escritor prohibido en aquella época, Erich Kästner, quien manos a la obra se puso a adaptar la famosa novela de Carl Leberecht Immermann y los relatos de Rudolf Erich Raspe, inspirada a su vez en un personaje real, el barón de Munchhausen, famoso por sus trolas y sus mentiras.
Finalmente, la producción más cara del cine alemán, sobretodo en época de guerra, pudo ver la luz con 134 minutos de metraje pero sufrió numerosas amputaciones hasta quedar reducido a la de 114 que pertenecen a la versión restaurada por la Murnau Foundation que es la que vi en DVD hace un par de días.

No sabemos qué metraje desapareció en esos 20 minutos ni cual era su contenido, pero en España aún sufrió amputaciones más drásticas como esas escenas que entonces se llamaban "atrevidas", es decir, con desnudos generalmente femeninos.
En la secuencia del harén hemos podido ver por fin escenas que la censura franquista se llevó por delante para evitar escandalizar a nuestros castos ojos de entonces.
Vista actualmente la película resulta sorprendente. No aparece por ningún lado la ideología nazi del doctor Goebbels y coetáneos, más bien fluye las ideas liberales del perseguido autor Erich Kästner. Josef von Báky, el director, no es alemán sino húngaro. Aparte de las escenas con desnudos se presenta Rusia de forma simpática cuando en aquel tiempo estaba en guerra con Alemania.

Hans Albert, un gran actor alemán de aquella época, asume la personalidad del barón mentiroso con gran picardía y pericia. La película es muy suntuosa y elegante. en una época de grandes penurias económicas, el Reich tiraba la casa por la ventana produciendo una obra que en cierto modo les es ajena. No nos encontramos con un panfleto propagandístico sino con una exquisita fantasía repleta de onirismo y de magia, con el incipiente Agfacolor, mucho más práctico que el Technicolor de Hollywood, y un título que pasará a la historia sin la sombra negativa de sus promotores. Eso sí que fue un gran mérito pero 20 minutos se han quedado por el camino y ni siquiera conocemos su contenido.

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